Né en 1961 à Nevers, Laurent Bonté vit et travaille entre Nevers et Sète. Depuis 1994, le projet au long cours «No/Made» engage l’artiste à photographier le périple d’un petit objet blanc à roulettes. Le rapport entre voyage et mémoire est au centre de son travail.

No/Made est un personnage poétique, un voyageur, un volume itinérant, une sorte de ‘‘maison de Monopoly’’ émancipée. La simplicité de sa forme, sa monochromie blanche et ses roulettes évoquent les véhicules pour enfants et jouets anciens. Cette itinérance qui semble friser la pure errance, amène ce petit objet à Paris, Istanbul, Venise et ailleurs.

Pour l’exposition appel d’aiR°, l’étape prend la forme d’une installation intitulée «Jonction Point», composée de trois cadres numériques sur lesquels défile une sélection de prises de vue des voyages. Parcourant le monde de villes en villes et de clichés en expositions, No/Made est un objet fugitif, en constante cavale. Il ne se présente jamais dans les salles d’exposition et c’est le travail photographique de Laurent Bonté qui offre un support mémoriel à sa présence. Ses captations mettent alors en lumière une tension entre existence et inexistence, entre présence et disparition, entre fébrilité d’être et force poétique. No/Made modifie le monde qui l’environne et infléchit la perception du visiteur sur l’immensité des espaces qu’il traverse.

Filomena Borecká est née à Prague en 1977, elle vit et travaille à Paris. Après une formation en « sculpture de taille directe » à Horice au nord de la République tchèque et un bref passage à l’Académie des Beaux-arts de Prague, elle suit le cursus de l’École Nationale des Beaux-arts de Paris de 1998 à 2004. Elle est admise en thèse à l’Université Paris I - Panthéon Sorbonne en 2013 après un mémoire de fin d’étude sur la pratique du don, de l’intime vers le collectif.

PHRENOS - La Banque du Souffle est une sculpture sonore et pénétrable, réalisée en collaboration avec le sociologue et anthropologue Frédéric Lebas, le designer-plasticien Bruno Dubois, la sophrologue et psychiatre Monique Puisais et le sociologue Stéphane Hugon.

« Constitué d’une sculpture habitable et d’enregistrements sonores qui sourdent de son intérieur, PHRENOS est un site pour se perdre – et mieux se retrouver – dans les méandres et vortex des innombrables respirations du monde. Semblable à une alvéole, poumon à corps ouvert, cette cavité matricielle se situe à la confluence du rythme de nos propres inspirations et expirations physiologiques et de la mondanité d’un souffle unique, collectif.

Dans ce ventre alvéolaire (...), la lumière est tamisée, favorable à l’attention somatique et à l’écoute. Ici les respirations se répètent, se réverbèrent en échos, sans jamais revenir au même : ce sont les matériaux recueillis par l’artiste que constituent la Banque du Souffle. Les timbres des respirations, parfois doux, suaves, chuintants, caverneux, tantôts haletants, mesurés, rauques ou bien imperceptibles peuvent nous cajoler, en syntonie avec eux, nous étreindre, ou bien même nous oppresser. Face à l’intimité de ces souffles, l’auditeur est livré à ses propres évocations poétiques. »
 

https://phrenosfilo.wordpress.com/

Extrait du texte PHRENOS de Frédéric Lebas

Artiste né à Kinshasa en 1972, il vit et travaille entre Valenciennes et Bruxelles. Claude Cattelain est à la fois vidéaste, dessinateur et sculpteur. Son corps est l’objet principal de ses performances dont il cherche à déterminer les limites. Il s’agit pour l’artiste de révéler les points de rupture, identifier ce qu’il est à même de supporter et interroger l’épuisement du geste, de la forme et des représentations.

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La vidéo Don’t try montre une performance périlleuse de l’artiste perché sur la corniche d’un immeuble à l’épreuve du vent qui tend à le faire chuter. « Claude Cattelain est un artiste engagé, non dans le sens généralement admis de cette expression mais au sens stricte d’artiste s’impliquant personnellement et physiquement dans son travail. Pourtant son corps n’est ici que le sujet d’expériences valant pour tout un chacun. (…) La gratuité du geste sportif, l’apparente absurdité du geste performatif fait ainsi écho à la vacuité de l’existence. Ici le jeu n’a pas vocation de divertissement. Il agit comme révélateur de l’absurdité de notre condition.

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Et si l’humour n’est nullement absent de ce dispositif, c’est sans aucun doute que larmes et lamentations ne sont pas de mise. Comme notre corps dont il nous est loisible de jouer pour mieux nous l’approprier, notre existence n’a de signification que celle que nous voulons bien lui conférer dans un geste qui - à notre corps défendant - nous fait accéder au statut de l’artiste. »

http://www.claudecattelain.com/

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Extrait du texte de Johan Grzelczyk
Revue 50° Nord #2 – nov 2011

Guillaume CHAPPEZ est né en 1977, il vit et travaille à Nancy. Musicien, compositeur et sound designer, il est très actif dans le domaine des nouvelles pratiques audio-numériques, son travail s’inscrit dans une esthétique ambiante résolument futuriste tendant toujours à investir de nouveaux territoires.

Le Jardin ZEN est un paysage sonore électroacoustique imaginaire, matérialisé par un sol végétal artificiel, des chants d’oiseaux et des ruissellements d’eau. Le son diffusé dans l’installation n’est pas perceptible hors de son périmètre physique. Le spectateur est invité à pénétrer cette bulle de paix où règne une atmosphère sereine. En rupture avec son environnement direct, le Jardin ZEN se tranforme en espace de bien-être.

Son principe immersif tend à interroger la population sur les rapports entre la nature et l’espace urbain et les conditions de leur coexistence. Les créations de Guillaume Chappez incitent à sortir des lieux traditionnellement dédiés à l’écoute de la musique et (re)découvrir la musicalité de la vie.

Né en 1985 à Roubaix, David De Beyter est diplômé de l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre de Bruxelles et du Fresnoy, Studio National des Arts Contemporains de Tourcoing. Si David De Beyter utilise le médium photographique, son travail se tisse d’un réseau complexe de références et de processus aussi bien liés à l’image, qu’à la sculpture, l’architecture ou encore l’anthropologie. Le paysage y occupe une place centrale. Chaque image qu’il conçoit implique une réflexion en tant que forme, archétype, système construit, devenant alors un nouveau modèle paysager.

Le projet Édifices s’articule autour d’une série de photographies dont les toits sont l’élément central. David De Beyter y amorce une réflexion sur le rapport entre l’habitat et son paysage - les liens entre l’imaginaire et la réalité. Cette production photographique dessine des micros-fictions à partir de formes et d’environnements qui nous sont familiers. Les toits érigés de ses captations sont issus de quartiers résidentiels sur lesquels l’artiste souhaite porter un nouveau regard. David De Beyter entend révéler le potentiel fictionnel de la réalité à partir d’un décor déjà existant et de libérer la force narratrice de ses images.

Au delà de ces morceaux de toitures, c’est l’univers d’un paysage générique de campagne-urbaine qui est suggéré. Ces fragments de maisons fonctionnent comme une métonymie de l’habitat émergeant et acquièrent leur autonomie en tant que sujet de réflexion.

http://www.daviddebeyter.com/

Né en 1987, à Bourg de Péage, Antoine Félix vit et travaille en exil. La pratique artistique d’Antoine Félix se situe à la frontière de l’Art et de la Géographie, qu’il conceptualise sous le nom d’EXILSPATIAL. Mis en oeuvre à travers des performances et des installations dans l’espace public, l’auteur porte un discours décalé et ironique sur la place de la nature en ville.

Antoine Félix se réfugie dans des lieux d’exils imaginaires afin d’y puiser son énergie créatrice et requestionner l’art du paysage. Cette démarche signe un geste émancipateur de détachement du réel pour mieux ré-imaginer un monde où tout est possible. EXILSPATIAL propose des “scénarii du réel”, des “hypothèses du futur” où le caractère pittoresque de la nature se mêle à la poésie de la ville. Le travail d’Antoine Félix est une invitation au voyage, à la recherche d’asile en milieu urbain et tend à orienter le regard vers de nouveaux horizons.

http://cargocollective.com/antoinefelix

Description réalisée à partir du texte EXILSPATIAL

Brigitte Perroto et Augustin Gimel réalisent depuis 2007 un travail commun nourri des singularités des lieux qui accueillent leurs oeuvres. Travaux dans lesquels la lumière et l’espace s’entrelacent et se déposent sur les strates physiques et mémorielles du réel. Leurs œuvres, hybrides par nature, empruntent leurs vocabulaires à des champs esthétiques et théoriques variés tels que l’architecture, le cinéma, la musique, les sciences, la phénoménologie, la sémiotique... Et d’un même mouvement incrémentent notre perception des univers invisibles ou indicibles tapis dans le hors champ de notre vision. Répétition du réel, bégaiement du monde, comme un fantastique dédoublement du réel.

Pour le projet appel d’aiR°, les artistes proposent une production mettant les visiteurs au centre de leur dispositif. Réalisée sous la forme d’une collecte de souffles, le public est invité à faire don d’une expiration dans de petits sacs en papier. Soigneusement cachetés, chacun de ces sachets est libellé ‘’EXPIRE LE’’ avec la date et l’heure de l’opération artistique effectuée. Définit comme une oeuvre in progress, un filet tendu retient l’ensemble de ces souffles jusqu’à ployer sous le poids de tous ces soupirs... Loin de se limiter à un art interactif, ‘’Expire-le’’ place le processus créatif au coeur du projet de Brigitte Perroto et Augustin Gimel. Le public est à la fois détenteur de la matière première, acteur de la performance artistique et le sujet-objet de l’exposition. La sculpture se construit de matières plus ou moins perceptibles au fil des trois jours de l’exposition, durant laquelle, Brigitte Perroto et Augustin Gimel engagent un dialogue avec leurs collaborateurs-visiteurs.

http://www.augustingimel.net
http://silibis.net/index.htm

Alan Guillou est photographe et planteur d’arbres. Né en 1978 à Quimper, son biotope originel est la forêt du Finistère au coeur de laquelle, enfant, il accompagnait son père « faire du bois ». Depuis, la forêt ne l’a jamais quittée, elle prospère dans son imaginaire artistique et à travers son activité de militant. Après des études en « aménagements paysagers » et l’occupation du poste de responsable du conservatoire botanique de Seine-et-Marne, Alan Guillou consacre son temps personnel et professionnel, de manière spontanée ou planifiée, à planter des arbres. Sa démarche de photographe recoupe un militantisme en faveur des feuillus qui trouve toujours de nouveaux terrains d’exploitation quels que soient les lieux où il est amené à se fixer. Actuellement, c’est dans le Nord-Pas-de-Calais, région la moins boisée de France qu’il met en terre de tout jeunes charmes, tilleuls, érables et chênes : 15 000 arbres ont ainsi été plantés entre octobre 2013 et mars 2014. Alan Guillou œuvre en faveur d’un reboisement participatif et fédère avec son association dix groupes de planteurs volontaires.

“Les oeuvres d’arbres produites par Alan Guillou résultent d’une immersion prolongée dans la forêt, diurne et nocturne, bivouac aidant par temps de neige. L’immersion favorise l’écoute et l’intensité de l’expérience, la possession du sujet, le corps à corps dont semble témoigner certaine épreuves. Cette confrontation physique à l’architecture végétale est confortée par des références. Les oeuvres de Le Gray ont marqué le jeune photographe et l’on amené, en une époque qui a l’image facile grâce au numérique, à rechercher au contraire un certain archaïsme dans le rendu photographique. (…) Travailler la nature de l’arbre revient finalement à enregistrer les traces du temps, la matière photographique de l’arbre en est le poème. Le flux lumineux quant à lui, par son accroche ou son amenuisement, stimule l’imaginaire ramenant à la « conscience imageante » les arbres latents de nos expériences enfuies. ”

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Extrait du texte « Des journées entières dans les arbres. Et des nuits » d’Hélène Saule-Sorbé, professeur d’arts plastiques à l’Université Bordeaux 3

http://planteurs-volontaires.com/

Née à Lorient, Christine Le Nezet vit et travaille à Quimper. La pratique plastique de Christine Le Nezet s’inscrit dans une dimension poétique et sociale forte. Réactive aux questions d’actualité, elle décide de se positionner face à la menace de la grippe A(H1N1). Maladie respiratoire aiguë découverte en 2009, la grippe A provoque rapidement une épidémie. En août 2010, l’OMS décrète que le monde entre en période post-pandémique. Des lors, le travail de Christine Le Nezet débute par une collecte de masques entreposés dans les diverses administrations. Ces masques de protection respiratoire vont alors devenir son unité plastique de prédilection qu’elle va assembler dans l’espace de manière sculpturale. Il est question pour l’artiste de porter une profonde réflexion sur les qualités de l’air et d’éventuelles menaces qui pourraient lui nuire. Indispensable à la vie, Christine Le Nezet tend à rappeler que l’air est aussi très vulnérable... Devrons-nous un jour tous porter des masques ? Devrons-nous renoncer à respirer librement Anxieuse de ce danger, l’artiste en témoigne de manière quasi obsessionnelle par l’accumulation de ses unités plastiques.

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Pour appel d’aiR°, Christine Le Nezet réalise des tables d’observation intitulées «L’air de rien ça frissonne là-dessous» et dresse un état actuel de ses recherches. Se présente alors une série de masques customisés revêtus d’un habillage gai et coloré comme pour cacher la sournoise réalité qui nous guette. Dessous, la vie est présente, les élastiques se déploient librement, frémissent d’émotions et virevoltent sans entrave. A moins qu’un frisson d’inquiétude ne pointe. Pour l’artiste, rien n’est perdu mais elle préconise de rester vigilant : « Si l’air est encore parfumé (sticks de parfum), encore sucré (papier de bonbons), encore plein de richesses (masques brodés) et nous permet une respiration joyeuse, il nous faut entretenir sa qualité pour que ces respirations urbaines perdurent sans entrave». Cette oeuvre, représente à la fois un message d’espoir et un signe d’inquiétude, et se donne à lire sous de multiples points de vue.

http://lenezetchristine.blogspot.fr/2014_02_01_archive.html

Mehryl Levisse est né en 1985 à Charleville-Mézières, il partage son temps entre Raillicourt (08), sa ville d’origine, et Casablanca, où il est accueilli en résidence plusieurs mois par an, pour assister l’artiste Hassan Darsi et la chorégraphe et danseuse Meryem Jazouli. Il est représenté par la galerie Coullaud & Koulinsky. Il se défnit lui-même comme issu de la performance et met en scène son propre corps, ou ceux de modèles, au sein d’environnements élaborés, créés en intérieur. En 2011, il fonde BALAK, une galerie d’exposition temporaire à Charleville-Mézières.
 

Les parkings sont des lieux de passage, des zones de transitions où l’on s’attarde rarement... Des lieux vides, parfois effrayants et obscurs qui ont nourri l’imagerie de tant de films d’horreurs. L’artiste invite les visiteurs à s’attarder et à s’approprier ces lieux impersonnels. Pour ce faire, il propose de réaliser au coeur du parking souterrain une installation composée de mobiliers récupérés, recréant ainsi un espace de vie privée. Constituée de trois panneaux de bois tapissés d’un papier peint ancien, cet espace intime rappelle, par sa composition, le salon d’une vieille tante, de grand-parents ou arrières grands-parents. Des intérieurs chargés de mémoire dans lesquels il fait bon de se ressourcer, se sentir dorloté, en sécurité... Jouant de l’ambiguïté, l’installation ne sera pas ouverte au visiteur, contraint de rester à l’entrée de la pièce comme derrière une vitrine. Les environnements constitués par Mehryl Levisse forment des espaces sans temporalité définie.

http://www.mehryllevisse.fr

Rémi Petit élabore des figures géométriques tridimensionnelles suspendues dans l’air ; « sculptures de vide », « manipulations de l’espace », « anamorphoses », sont autant de descriptions qui définissent sa pratique artistique. Des images surprenantes prennent forme au gré des espaces investis et des déplacements du visiteur. L’artiste revendique le vide comme matière première de ses sculptures. Impalpable, invisible, insaisissable, il n’est pas pour autant inexistant, un vase, par exemple, ne se limite pas qu’à sa forme et sa matière, c’est aussi le vide qui lui confère toute son utilité.

Il est alors nécessaire de prendre conscience de l’équilibre entre l’être et le non-être. Pourtant, une fois observé, le vide devient une évidence, une masse s’adaptant à la forme de chaque objet, de chaque être, pour en devenir son négatif; il devient presque impossible à ignorer. L’ensemble des oeuvres de Rémi Petit reposent sur la spécificité du vide à pouvoir être sculpté. Chacune des sculptures de l’artiste tend à mettre en valeur une part du vide qui nous entoure. Son geste opère et ajoute de la matière plutôt que d’en retirer.

http://www.remipetit.com

Née à Masan (Corée du Sud) en 1983, Shoi vit et travaille à Paris. Son travail interroge l’Homme et la nature, l’être et le devenir... Le souffle est alors l’élément central de sa réflexion car il représente par essence le mouvement et la vie. L’artiste investit ses œuvres d’une grande charge émotionnelle liée à la maladie, au stress, à l’angoisse, à la douleur afin de libérer son corps de toute emprise négative. Cette émancipation participe à la quête d’une autonomie à la fois physique, sexuelle et intellectuelle, associant féminisme et expériences vécues.

“Basée sur la mémoire, l’émotion, la réactivation de souvenirs, l’oeuvre de Shoi obéit à une logique subjective, usant de tous les matériaux et de toutes les formes. Son langage personnel et entièrement autobiographique rejoint les pratiques, entre autres, de Yayoi Kusama et de Giuseppe Penone. Son travail s’inspire d’événements qui ont brutalement changé son quotidien, qu’elle recrée et exorcise dans de multiples métamorphoses, elle sollicite le spectateur à plusieurs niveaux que ce soit par la pensée, l’imagination ou l’affect.”

Olivia Speer

C’est à la suite d’une série de crises d’asthme qui étouffait l’artiste pendant la nuit que la performance Mes souffles – ou « m’essouffle » - est née. Ces douloureuses expériences lui ont rappelé la fonction vitale de la respiration. Shoi a alors décidé d’exorciser ses angoisses asthmatiques à travers une production plastique à la fois ludique, poétique et légère. Elle emplit l’espace de ballons blancs, qu’elle gonfle un par un – elle expire, expire et expire, reprenant symboliquement le dessus sur cette respiration qui voudrait la trahir. A mesure qu’elle se vide de son air et l’enferme dans la baudruche, Shoi remplit la pièce d’elle-même. Sa vitalité l’entoure, la recouvre, jusqu’à finalement presque l’étouffer. L’artiste a longtemps pensé que son cerveau maîtrisait sa vie, jusqu’à comprendre qu’elle était en réalité soumise à son souffle. Cette performance délivre avec sincérité, la beauté et la force du combat d’une artiste avec la vie.

http://www.marialund.com/fr/artiste/shoi

Jeune artiste inter-disciplinaire ayant étudié le graphisme et le design textile à la Martinière Diderot à Lyon, Joanes Simon-Perret expérimente au cours de ses voyages, diverses techniques liées à l’agriculture et à la botanique.

L’effacement progressif de la nature en milieu urbain, la perte des connaissances agricoles et des savoir-faire ruraux sont au coeur du questionnement de Joanes Simon-Perret. La matière végétale est l’élément central de sa production artistique. Petit alchimiste à sa manière, il crée de nouvelles matières organiques en associant des graines à divers matériaux tels que l’argile, le carton, le tissu... Pour donner naissance à des sculptures vivantes ! Elles germent, grandissent, se transforment de jour en jour, changent de formes, de couleurs pour finir par s’évanouir et disparaître... Afin d’en garder la trace, Joannes Simon-Perret immortalise ses inventions à travers des captations (photos et vidéos) et en y ajoutant une valeur artistique supplémentaire. Il s’exprime notamment à travers la technique du time lapse pour mettre en scène le développement de ses plantes dans des situations hasardeuses, à la fois drôles, sarcastiques et poétiques. Grand rêveur, cet artiste invite le spectateur à venir découvrir son univers fantasmagorique.
 

La Place de parkgreen est une installation végétale spécifiquement réalisée pour l’exposition appel d’aiR°, pensée comme un écrin pour la projection des vidéos de l’artiste.

http://joanes-simon-perret.wixsite.com/artist

La performance musicale du flûtiste Paolo Vignaroli s’inspire de la pollution atmosphérique urbaine et tend à confronter culture urbaine et musique «savante». La recherche de nouveaux modes et lieux d’expression de la musique contemporaine et la rencontre d’un public néophyte stimulent particulièrement l’artiste.

Pour appel d’aiR°, Paolo Vignaroli propose une déambulation à travers les parkings extérieur et souterrain de la Grand’ Place d’Arras, entre musique improvisée à l’extérieur et interprétation d’une oeuvre du compositeur italien Salvatore Sciarrino à l’intérieur. Le geste musical se confond dans l’acte de la respiration, telle une fenêtre entrebâillée dans le silence, la musique crée une dimension d’attente entre la lumière et les ténèbres.

Une véritable écologie de l’écoute est au centre de la recherche musicale de Sciarrino : l’écoute libère esprit, laisse grandir le silence en chacun de nous ainsi que la perception d’être-dans-le-monde. Tels l’antre, la caverne, la cavité, la crypte, le gouffre, le trou, le tunnel, le creux ou le terrier au sein de la ville, le parking devient le lieu rituel et cathartique de cette performance. L’espace du parking souterrain est appréhendé par Paolo Vignaroli comme un espace acoustique de réverbération et de résonance intérieure.

http://paolovignaroli.com/

Plusieurs requins lance-Flammes est un projet artistique pluridisciplinaire né au courant de l’année 2011. Débutant dans la musique électronique, le groupe a évolué en conciliant les domaines du son, de la vidéo, de la scénographie, du stylisme et de la danse.

Actuellement, le duo comprend Arthur Baude, vidéaste, directement inspiré du futur et de la cybernétique, quasiment robot lui-même - et Noël Rasendrason, compositeur autodidacte, défenseur de la nature et inspiré par l’absurdité du monde humain. Il est notamment à l’origine de la création du groupe. Arthurcréé et met en scène une grande partie du visuel des performances live, tandis que Noël s’occupe de créer l’univers sonore.

Plusieurs requins lance-Flammes met un point d’honneur à rendre hommage au monde marin, à la nature au sens large, aux mondes parallèles (surnaturels, apocalyptiques, fantastiques), à la science fiction et à la démesure en général. L’idée maîtresse du projet est l’expérimentation et l’absence de limites. Ces artistes peuvent alors toujours s’ouvrir à de nouvelles disciplines, tant qu’elles concordent à l’esprit du groupe : « tant que la nouvelle créature marine s’intègre aux requins et qu’elle n’a pas peur du feu ! »

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Les recettes et bénéfices perçus lors des concerts et des ventes de Plusieurs Requins Lance-Flammes (disques, t shirt…) sont reversés à des associations luttant pour la sauvegarde des requins, de la faune marine en général et des autres espèces en voie de disparition.

http://www.plusieursrequinslanceflammes.com/